La musique française

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Parallèlement à l'art religieux, résonnent les chansons des troubadours (en langue d'oc, dans le sud du pays) et des trouvères (en langue d'oïl, dans le Nord): Bernard de Ventadour, Blondel de Nesle ou Jaufré Rudel chantent le renouveau printanier, la haine de la félonie ou la beauté de la femme. A la fin du Moyen Age, deux centres musicaux demeurent d'un grand intérêt: la cour de Bourgogne (Binchois) et l'école franco-flamande (Dufay, Ockeghem, Josquin Des Prés).

La Renaissance
Le XVIe siècle consacre l'essor du répertoire profane. Pour ses chansons - un genre en vogue -, Clément Janequin choisit des textes plus familiers (la Guerre, le Chant des oiseaux) dans un style à quatre voix, clair et bien équilibré. Les liens entre paroles et musique se renforcent ensuite (autour des textes de Ronsard), alors que se fait sentir l'influence du madrigal italien, inspirateur de nouvelles recherches d'expression de Claude Le Jeune. L'art instrumental est représenté par les cornets, cromornes, flûtes à bec, violes ou luths, à travers les transcriptions de chansons ou la musique de danse (pavanes, gaillardes).  Ce temps de la Renaissance est aussi celui du psaume (lié à la religion réformée), dont les phrases brèves contrastent avec les longues vocalises de certains chants catholiques.

Le XVIIe siècle
L'apport de la musique italienne se fait plus net encore après 1600, à travers de grands genres (opéra, oratorio, cantate) nés au-delà des Alpes. Fondé sur la technique de la mélodie accompagnée, ce nouveau style s'oppose à la polyphonie ancienne. C'est sous le règne de Louis XIV que naît en France la tragédie lyrique, bien illustrée par Jean-Baptiste Lully. Ses grands ouvrages (Alceste, Armide) brillent par l'éclat des ballets et des décors, par le rythme pointé des ouvertures (dites «à la française» et caractérisées par la succession lent-vif-lent), ainsi que par la beauté de la déclamation: marqué par un souci d'ordre et de clarté, cet art paraît beaucoup plus classique que baroque. Quant à l'oratorio, il s'introduit en France grâce à Marc Antoine Charpentier, connu surtout pour ses œuvres sacrées, mais il ne supplantera toutefois jamais le motet, qui domine la musique religieuse française de l'époque. Les œuvres instrumentales (ricercare, suite...) sont surtout destinées à l'orgue (Titelouze) ou au clavecin (Chambonnières).

Le XVIIIe siècle
Après la mort de Lully, de notables changements interviennent dans l'opéra avec Jean-Philippe Rameau, qui confère plus d'importance aux airs, aux chœurs et aux passages orchestraux, à tel point qu'on lui reproche de mettre «trop de musique» dans son théâtre. En marge de ces spectacles se développent les parodies de foire, qui engendrent, dans les années 1760, un nouveau genre, l'opéra-comique, où les dialogues parlés alternent avec des parties chantées aux intonations plus faciles (Philidor, Monsigny, puis Grétry et Dalayrac).

Par ailleurs, la cantate reste fort à la mode au début du siècle (Boismortier, Clérambault), alors que le motet (Delalande, Mondonville) voit sa vogue encore renforcée par le Concert spirituel, première entreprise parisienne d'auditions publiques, fondé en 1725. La musique instrumentale se fait toujours plus présente, à travers les suites de Couperin ou de Rameau, puis les sonates ou les symphonies de la fin du siècle. Après 1770, le pianoforte tend à succéder au clavecin. Le violon et la flûte sont très prisés; l'orgue suscite des œuvres fort diverses (messes de Couperin, hymnes de Grigny, noëls de Balbastre). Quant à la Révolution, elle favorise l'essor des chansons et des hymnes.

Le XIXe siècle
Avec Hector Berlioz s'affirme un romantisme novateur. Dans le domaine du théâtre lyrique, les Français apprécient les ouvrages italiens (Rossini, Bellini) ou l'opéra-comique de Boieldieu et Hérold, lorsque l'Allemand Meyerbeer impose à Paris le grand opéra historique romantique (Robert le Diable). Puis avec Gounod (Faust) et Bizet (Carmen) se développe un art plus discret, mais non moins expressif, où se distingue ensuite Massenet (Manon, Werther). Parallèlement triomphe, depuis le milieu du siècle, l'opérette de Jacques Offenbach (la Vie parisienne), portée par un texte comique et des rythmes entraînants (cancan d'Orphée aux enfers ). Le genre s'affine avec Lecocq et Messager.

A partir de 1880 commence une glorieuse époque. La Société nationale de musique (créée en 1871) permet à la musique de chambre de prendre un nouvel essor, tandis que la suite descriptive (Massenet), le poème symphonique (Saint-Saëns) et la symphonie (Franck, Dukas, d'Indy) s'imposent à travers de nouvelles associations orchestrales (Pasdeloup, Colonne, Lamoureux). La musique de piano, qui s'était parée de couleurs plus intimistes sous la plume de Fauré, atteint un surprenant dépouillement chez Satie.

Après 1945, de la musique concrète (Pierre Schaeffer) - bientôt devenue électroacoustique - à la technique spectrale des années 1980 (Murail, Grisey), en passant par l'écriture de Boulez, fortement marquée par le sérialisme de Webern, l'art stochastique (où Xenakis se fonde sur le calcul des probabilités), la musique aléatoire (Boucourechliev) et les recherches menées à l'IRCAM (Institut de recherche et de coordination acoustique-musique), les mutations esthétiques s'accélèrent, alors que d'autres musiciens (Dutilleux, Ohana) restent plus proches aussi bien des langages que des instruments hérités du passé.